「道隐无名」红砖艺术馆

这是红砖艺术馆一日游记。

当艺术与科技分离的时候,就期盼着结合的那一刻。这种期盼可以很遥远,因为在达到结合的那一刻,我们总是互相持有好感,并且相互敬畏;可以很近,就在实践或者感受作品的那一刻。我们的生活中存在着各行各业,充斥着行业之间因为误解而存在的冲突。今天有机会近距离观察这场展览,让我就有这种感觉,这种结合,就应该在具体的作品面前才能感受得到。这算是A理论的理论证明,也算加深了对科学与艺术分离又结合的理解。

以下部分文字,摘自「道隐无名」奥斯维拉艺术展

首先是对奥利维拉·埃利亚松的介绍。

在奥拉维尔·埃利亚松工作室里,有几块“天外来客”,它们是一些小小的陨石,埃利亚松经常把它们抚摸于手中,并不时变换他们的摆放位置。

埃利亚松童年的很多时光是在冰岛的星辰、极光、和极昼中度过,地理万象成为他艺术的底色。在他艺术的词典中:自然是重要的灵感源泉;气象学、物理学、光学、建筑学是其艺术表现的基石。

埃利亚松的求学路从冰岛、丹麦、纽约,再到德国,他于1995年在柏林成立了奥拉维尔·埃利亚松工作室。在这里,他与来自世界各地不同行业的专家,包括建筑师、研究院、艺术史家、工匠等,以风、光、波、水、雾、气等现象作为艺术材料,去探索自然之物的无限可能。

作为一位观察者、发现者、和创作者,他以艺术实践回应千万年形成的冰川对全球气候变暖的“直觉”;他用数以万计的“小太阳”照亮非洲无法获取电能的地区。

如同一位艺术智库的领袖,埃利亚松站在气候和人文的立场,用艺术去呵护、关爱、发声、呐喊,激发人们的共识和行动。他追寻时间的纵深变换空间的光影,倡导人与自然的对话,践行天人合一的哲学观。

埃利亚松结合红砖美术馆特有的建筑空间和东方园林,呈现作品与空间深度对话的艺术现场,融入沉浸体验之中,艺术家充满科学感的作品,带给人们更多的是感知与觉悟。

【遗失的指南针】

旋转状态,说实话,看到之后的第一个感觉是这个选材是多么的粗糙,框架的轮廓是一个八角星,磁铁的群聚呈纵轴对称。只是选择了其中稳定的一个中心点,就成为了指南的标识。但其实他的位置还处于旋转状态,既不南也不北。

【道隐无名】

1号展厅放置着展览开始最可以被看到的同名作品。让我震撼到的有两点:

1、是顶部的镜面造成的空间折叠感,至少研究了半天,才发现并不是自己想象中的一半,而是整个全部。

2、黄灰色灯光打在人脸上、衣服上,这种感觉立马将融入这个房间的内容都做了色彩降低处理。这种黄灰色的人,仿佛是这个世界的异者,格格不入。

“由一系列的单频灯发出的光芒将一切色彩化为黄灰色调,令观者的视觉感知变得锐利起来。这种为增强安全性而常用于隧道照明的灯,曾在埃利亚松的多件作品中出现,包括2003年在伦敦泰特现代美术馆展出的《气候项目》。”

【水钟摆】

《水钟摆》创作于2010年,作为红砖美术馆的最新收藏在二号厅展出,黑暗的展厅中,一条打开的水管从屋顶垂下,水流被频闪闪光灯打亮。水管的强大压力使水流在空中横向翻腾扭曲,在频闪闪光灯的照射下,喷射而出的水珠看上去宛如玻璃般坚硬的固体,断裂的水流轨迹在空中只能依稀可循。《水钟摆》呈现出的这种不可预见性,就像是身体不适后对疼痛的期待——非常吸引视觉,但眼见之物并不为实。被闪光斩碎为一瞥之象的作品体验出陡起终落的不稳定感。

如果是单看这两种现象:

1、水管因为压力在空中翻腾,以为距离的原因,它并不能完全着地。

2、高频的闪光灯,有点像舞厅的等,通过很高的频率让你感觉触达的只是其中一部分,而不是完整的部分。

但这两种现象的结合,确实另外一番的演绎,水管的姿态在不断地发生变化,充满了不可预测性。唯一让我不明白的,是为什么这个名字会起做《水钟摆》?

【声音银河】

《声音银河》创作于2012年,由9组27个多面体组成。这些多面体按顺时针顺序排列组成两个圆环,从四面体开始,面逐渐增多,直到最后接近于球体。每个多面体内放置一枚卤素灯,灯光经由内部镜面的反射,从多面体边棱的缝隙中泄漏出来,如星星一般闪烁不定。

作品的名称来源于现代天文学的开创者—17世纪德国天文学家开普勒的“天体音乐”理论。古希腊数学家毕达哥拉斯曾经说道:“万物皆数。”他认为宇宙中天体的运动遵循数学规律和比例,而这种规律和比例都符合音律。受毕达哥拉斯的影响,开普勒发现了行星运动的物理和谐性。他发现行星在轨道运动时,在最高和最低角速度之间有近似和谐的比例。在非常罕见的间隔所有的行星将一起唱“完美和谐”。

《声音银河》中的每一个多面体都可以被看作是宇宙中的一个天体,它们完美的比例关系组成了一曲无声的银河乐章。

【圆角(0°,18°,36°,54°,72°,90°)】

两个半椭圆形红镜子在墙角相遇,形成一个弯折的椭圆形,折角为两面墙的夹角。镜面相互映照,在虚拟空间内制造了第二个椭圆形。埃利亚松利用镜子在实体空间内展开虚拟的扩张。在和自己的映像放在一起看时,这些作品所常用的形式会促成一种单一物体的错觉,仿佛穿越了真实世界和镜像世界的界线,产生了一个单一连续空间的印象。作品在一起形成一种椭圆形的步进,逐渐偏离圆形,营造出一系列旋转圆盘的印象。

这个作品是个系列,根据不同的切割角度展现。最有趣的是镜子将墙壁背景的色彩也采用进来,看到的是两面镜子相互叠加的部分,而之外的不是就是镜子不相交的部分。非常有动感有趣。

【聚合彩虹】

在黑暗的空间里,一圈聚光灯由内向外照射在一道环形雾障上,在环形内侧形成了微亮的彩虹。在轻柔的水幕上若隐若现的色彩并不存在于雾障之中,它们之所以能被看到,是因为光线被水滴折射和反射后以一个特定角度进入到观者眼中。因此,只有当有人走到环形附近,移动到一个可以看到色彩的地方,这件作品才称得上完成。埃利亚松的作品是依赖观者的参与的;艺术家频频使用反射和余像等在艺术品当中并不存在、但在被观看时会产生的现象。这件作品是埃利亚松最重要的早期作品之一——创作于1993年的《美》的一种演进。

【明日共鸣器与昨日共鸣器】

这些光学仪器的核心部件都是一个斜边玻璃环。它们原本属于一套菲涅尔透镜,其用途是在灯塔中集聚发散的光束,并以一个固定的角度投射出去,从而增加光的强度。这种将光当作可延展材料来对待的能力,在此作中被用来在墙上绘制素淡的彩色条纹。早在艺术生涯之初,埃利亚松就喜欢创作具有实验性装置功能的艺术品,这两件作品就是该思路的体现。

而艺术馆的室外部分也播放着各种古典音乐,与这种场景相映衬。

参考:
http://www.redbrickartmuseum.com/cn/exhibition/detail/3eacsA.html

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